Crítica de Los Juegos del Hambre - Sinsajo parte 2: se acabó lo que se daba

Liongate

Recién salida de ver el esperado final. Y hablar de esto sin spoilear!! Haré el intento.

Luego de gestarse la revolución todo está preparado para que el régimen totalitario y violento que comanda Snow en Panem llegue a su fin. ¿Lo lograrán? ¿Podrá el fuego de Katniss derretir la nieve? Creo que en el fondo esa no es la intriga principal... ¿acaso puede terminar mal? 

En Sinsajo 1 ganó importancia la línea argumental amorosa. ¿Peeta o Gale? Y la respuesta no es obvia, por lo que la resolución de este conflicto (sobre todo el tema de la enajenación de Peeta) es uno de los motores principales. 

Las primeras dos películas fueron una cosa: presentación del régimen y tensión respecto a lo que pasaba en cada edición de Los Juegos del Hambre. El desafío al orden establecido solo era latente. En la tercera esto termina de estallar y aquí ya no importan los juegos. Importa lo otro: el poder. La lucha por el poder es clave. La manipulación de los medios de comunicación lo es todo. El pan y el circo, convertidos en espectáculo maquiavélico toma una nueva dimensión.

Por supuesto que si viste toda la saga, el final es de visión obligatoria. Ahora, ¿es la mejor película de todas? No. Es más, me atrevo a decir que es la más débil. Desde ya que entretiene y estás en vilo, pero no llega a tener verdaderas sorpresas o giros inesperados. Y "ese momento" que no puedo nombrar para no spoilear, pero que incluye a Katniss disparando la flecha, es bastante predecible. 

Liongate

La trama de Sinsajo Parte 2 se tarda, va lenta. Falta tensión (salvo en una secuencia en el túnel). El grupo avanza y avanza... y parece que toda la película va a consistir en eso. Andan por ahí demasiado... y eso le hace perder fuerza. Es la última: ¡queremos toda la carne en el asador!

Dicho esto, la visión de mundo de la primera entrega es insuperable y esa es su mayor riqueza. 

Una pena ver esta última película de Phillip Seymour Hoffman. Para quien sabe que hay una escena súper importante que se tuvo que cambiar tras su muerte, porque aun no estaba hecha, se van a dar cuenta cuál es. Aun así está bien resuelto.

Nunca me había atrapado ninguna saga, hasta que llegó Los Juegos del Hambre. Suzanne Collins encontró una maravillosa forma de hablar del mundo de hoy. O del mundo de siempre. Oprimidos y señores, como en el Medioevo, pero en versión 2.0. 

Título original: The Hunger Games: Mockingjay - Part 2
Duración: 137 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2015

Podés leer las otras reseñas aquí:

Los juegos del hambre 

Los juegos del hambre: en llamas

Los juegos del hambre: Sinsajo parte 1

Crítica de Puente de espías: lo nuevo de Steven Spielberg con Tom Hanks

Dreamworks

¿Qué puede salir mal cuando dirige Steven Spielberg, actúa Tom Hanks y el guión lleva la firma de los hermanos Coen? Exacto: Nada.

"Puente de espías" pone a Tom Hanks en el rol de un abogado que, durante la Guerra Fría, debe defender a un espía ruso ante la corte de Estados Unidos. Pero eso es solo una pequeña parte de la historia. Lo que entrega Spielberg es otra gran película, bien hecha, con sentimiento, con humanidad, ingenio y, si, su especialidad: entretenimiento del bueno. Puede hacer una comedia, un drama histórico o resucitar dinosaurios, puede hacer películas que se conviertan en ícono o no, pero qué bien lo hace.

A su manera, Spielberg tiene sus obsesiones. Lo curioso es lo distintas que son. Claro está que el horror de la Segunda Guerra Mundial y sus derivaciones (como la división de Alemania y la Guerra Fría, en este caso) es uno de sus temas recurrentes.

"Puente de espías" no es una anécdota vacía, es una película que podría ser una más, pero tiene ese no se qué que le da profundidad. Ese no se qué se llama Spielberg y Tom Hanks.

Tom Hanks suele ser el tipo de actor que me lleva a ver una película. Es tan "normal", tan "man next door" que sencillamente le creo todo. Todo, siempre. Y a Spielberg también.

¿Te convencí? Claro que tenés que verla. Es entretenida, humana, cruda sin caer en el golpe bajo, tiene ritmo, gran fotografía, magnífica dirección de arte... no falla en nada. ¿Va a quedar en la historia del cine? No, no es ese tipo de película. Pero aún así, te va a encantar.

Duración: 141 minutos

País: Estados Unidos

Año: 2015

Crítica de Dos días, una noche: cine francés en estado puro

Les films du fleuve

"Le gusta el cine francés". Suena cool. Suena intelectualoide. Suena a persona rara, solitaria, que va contra la corriente abriéndose paso entre filas multitudinarias de espectadores con pochoclo en mano. Es como que hay que ser un poquito cinéfilo para ver cine francés. Aunque para mí, es puro prejuicio, Estamos acostumbrados al ritmo y la forma de pensar de Hollywood, y salirse de eso cuesta.

Entonces tenemos Dos días, una noche que es una clásica película francesa (en realidad es coproducción con Bélgica...) . Es todo eso que es el cine francés. Tampoco voy a caer en generalizar: no todo lo que sale del país galo es igual. Peeeero, hay una forma de ver el cine.

¿De qué se trata?

La cosa es que la chica Marion Cotillard, probablemente uno de los rostro más bellos y talentosos que exportó Francia a la cinematografía mundial en los últimos años, se saca todo el maquillaje, deja que se le note el frizz y se clava una sencilla musculosa con jeans. Al carajo el glamour. Fascinante.

Cotillard encarna a una madre de familia que está recuperándose de una crisis depresiva y cuando está por volver a la fábrica donde trabaja se plantea una disyuntiva. Toda la hora y media de película girará entorno a un planteo bien simple: sus compañeros de trabajo deben optar entre un bono de 1000 euros o que ella mantenga el puesto. Ja! Ya votaron el viernes por el bono pero Marion y una amiga convencieron al jefe de realizar una nueva votación. La chica tiene el fin de semana (dos días, una noche) para convencer a sus colegas de que elijan preservar su puesto y renuncien al bono.

Que bello es el cine en francés

Sí, podría ser el argumento de una película independiente yanki. Pero hay algo que para mí es lo que la hace tan francesa: la postura ante el mundo. Dos dias, una noche no es una película optimista. Es, más bien, una película realista. Y eso no implica que sea deprimente o diga "el mundo es una m&e%*a", no no no. No vas a salir del cine con esa idea. ¿Por qué? Porque ser realista no necesariamente implica ser oscuro o negativo, solo implica parecerse más a la vida real. Ahí es donde Dos días, una noche brilla. Es real, es humana. Es cruda, si, sencilla. pero sobretodo "es". Me lo creo.

Podría definirse como una road movie caminada. ¿Una street movie? Algo así. camina, camina, camina,.. golpea puertas, toca timbres... ¿Aburrida? Ni un poco. Claro, si te gustan las de acción, quizás no te guste, pero a mi me pareció fantástica. Porque hace todo con nada. ¿Bono o mantener el trabajo de una compañera? Es un recorrido por el debate ético de cada uno de los trabajadores pero sin moralina (porque es francesa...). Un si, un no. El peligro de volver a caer en depresión. Es eso, sin más, si menos. Y con esta casi nada, te mantiene ahí en vilo esperando a ver si la mina logra que no la despidan.

Dos días, una noche, dirigida por los hermanos Dardenne, engancha, así que dale una oportunidad al cine francés.

Duración: 95 minutos

País: Francia, Italia, Bélgica

Año: 2014

El dato: La chica Marion Cotillard, que ganó el Óscar por Piaf estuvo nominada al Óscar por esta película. Se pone la película al hombro y la sostiene todo el tiempo ella. Gran trabajo :)

Volver al Futuro y yo: confieso que he pecado

Recuerdo hace varios años, estaba en una clase de guión en la facultad. El profesor quería hablar de una película que conociera y amara todo el mundo para poner un ejemplo de algo que ya no recuerdo. Dice: ¿Indiana Jones?. Levanto la mano porque amo esa saga y, si, me la sé de memoria. Pero la levantada de manos no fue unánime. Va por otra y dice: Volver al futuro. Nunca tantos argentinos juntos estuvieron tan de acuerdo sobre algo.  Yo no levanté la mano. Disimulé.

Pasando por clases, conversaciones con amigos, ratos libres en el trabajo, cada cierto tiempo salía la charla respecto a lo genial que es Volver al futuro. Yo decía algo y todos me miraban espantados. ¡Estás loca! ¡No puede ser! La indignación era descomunal. Yo trataba de justificarme, pero no había forma. Era el mundo y yo. La gente reaccionaba más o menos así:

No recuerdo la fecha exacta ni por qué motivo no lo hice antes, pero hoy, con 30 años, puedo decir que solo fue el año pasado cuando vi por primera vez Volver al futuro.

Si, he pecado, pero me redimí. Y hay algo que me pueden seguir reprochando: ni siquiera es que la busqué y la vi. No. Apareció haciendo zapping y lo supe: era mi momento de volverme un ser humano normal. Mi redención. 

Estaban dando la 2 y me quedé viendo sin importar más nada porque la pantalla estaba ante mis ojos mirándome como si lo supiera. Sabía que hasta ese día DeLorean y Marty McFly no significaban nada para mí, pero era el momento de cambiar la historia.

La vi completa, atrapada, experimentando, como me dijo un amigo, la sensación única e irrepetible de ver Volver al futuro por primera vez. 

Un desconocido programador de ese canal de cable -al que le agradezco- supo que una no alcanzaba. Yo debía ver las tres. Y así fue como en un fin de semana vi la 2, la 1 y la 3 (en ese orden) y finalmente me redimí. Atrás quedaron las explicaciones de por qué nunca busqué verla o cómo no se cruzó por el camino de mi infancia. El destino, la casualidad, quien sabe...

Hoy, 21 de octubre de 2015, puedo decir con alegría que entiendo por qué todos, incluida yo, estamos hablando de la llegada de Marty McFly al futuro. Misión cumplida. 

Crítica de 'Hombre Irracional' de Woody Allen: existir a cualquier precio

Gravier Productions

Recién hice la cuenta y Hombre Irracional es la película número 16 que veo de Woody Allen. Lleva filmadas 45 así que podríamos decir que lo conozco bastante sin ser experta. Eso sí, cuando se estrena una nueva de él, no dudo en ir a verla.

El comentario que puedo hacer sobre Hombre Irracional depende de qué punto tome como referencia.

Si comparo este nuevo film contra "el cine", es una buena película, con excelentes planteos filosóficos, que habla del romance y la moral con igual facilidad. Cierra, entretiene y está más que bien.

El conflicto me surge cuando me veo en la tentación de comparar la película con lo mejor de Woody Allen. He leído críticas que la comparan con Match Point. No, permítanme disentir. Match Point fue una película genial, brillante. En esa línea y ese nivel pondría también a Blue Jasmine.

Hombre irracional no es Match Point pero tampoco creo que pretenda serlo. Lo que no me terminó de cerrar es que para comedia, no es suficientemente cómica, y para drama, no es suficientemente oscura. Ojo, comparando a Woody con Woody, fuera de eso es una gran película.

Entonces, ¿de qué va la cosa?

El protagonista (Joaquin Phoenix - siempre eficiente) es un profesor de filosofía apático, borracho, depresivo y pesimista que no siente ningún interés por la vida. Es el arquetipo de casi todos los films de Woody Allen. Es Woody Allen, en su versión dramática. El hombre llega a una nueva universidad donde se enreda con una profesora casada (Parker Posey) y una estudiante (Emma Stone). Hasta ahí, una comedia romántica de visión desencantada.

Pero en medio de eso llega la vuelta de tuerca. Tranquilos, no hay spoiler!!! A partir de cierto hecho, el protagonista decide hacer algo inmoral que lo hace sentir vivo. Y ya verán que es bastante irónico.

El sentido de la vida es una constante en el cine de Allen, abordada desde diversos matices e historias. Lo curioso de Hombre irracional es que en la película, cuando este profesor se planta ante esta situación que lo renueva, el tono sigue siendo el mismo. Lo curioso es que Joaquín Phoenix ES oscuro. Me costó no ver un ambiente más perturbado desde el giro argumental. Quizás se trate de mantener siempre el tono en sintonía con el estado anímico del personaje de Phoenix, aunque aún así, para mí, falta drama.

Eso sí, lo maravilloso es el final: muy Woody Allen y, ahí sí, muy Match Point.

Porque Woody es Woody y lo amaremos siempre

Al margen de esos detalles que no me cerraron del todo (y hasta me da no sé qué decirlo, porque, venga, quien soy yo para decir que Woody puede errarle en algo), nuestro querido director neoyorkino está a punto de cumplir 80 y estrena un film por año desde 1969. O sea! Se dan cuenta?

Me imagino su mente como sus primeros films: un manantial de ideas filosóficas, chistes de humor negro y mujeres que lo enamoran. Eso son sus películas, con grandes matices y aun hoy efectivas. El tipo puede repetir temas, recursos, pero quién no?

Hombre irracional puede encantarles o convencerlos hasta ahí, pero de algo estén seguros: están viendo la obra de una leyenda.

Duración: 95 minutos

País: Estados Unidos

Año: 2015

El comentario de color: ¿no es genial que Joaquin Phoenix aparezca con panza cervecera? O sea, sabemos que no es el típico actor hollywoodense, estrella, ni nada de eso, es re perfil bajo, pero de veras dije: wow, un abdomen de verdad! :)

Paisá de Roberto Rossellini: una película accesible para entender el neorrealismo italiano

OFI

¿Y para qué irse hasta 1946 y ver una película italiana en blanco y negro? Bueno, porque no solo de pochoclo está hecha la vida. Así que para hablarte un poco de la relevancia histórica del neorrealismo, voy a tomar esta película que, para mí, es de las más accesibles, de las más llevaderas y fáciles de ver.

Pese a su trascendencia histórica, el neorrealismo italiano no atrajo multitudes. Fue un cine marginal que, sin embargo, logró cambiar el camino de la realización cinematográfica. 

Hubo tres cosas que el neorrealismo aportó al cine y lo cambió para siempre:

• El rodaje en escenarios naturales
• La participación de actores no profesionales 
• El relato de historias cercanas a la realidad del espectador

Y entre la camada de directores que protagonizaron este momento histórico del cine estuvo Roberto Rossellini con su llamada "Trilogía de la guerra", que con tres films le dijo al mundo: bienvenidos a la realidad.

Tras formarse en el Cinecittá y en medio de un cine fascista (básicamente, mega-producciones sobre las glorias del imperio romano), Rossellini, junto a realizadores como Vittorio De Sica y Luchino Visconti, deciden cuestionar este cine italiano grandilocuente, basado en mitos atemporales que nada tenían que ver con la realidad del pueblo.

Con esta premisa, Rossellini decide incorporar la estética documental a la ficción para mostrar la verdadera Italia. Así surge su trilogía:

• Roma, cittá aperta (Roma, ciudad abierta) de 1945
• Paisá (o Camarada en España) de 1946 
• Germania anno zero (Alemania, año cero) de 1948.

Hay un avance cronológico de una a otra. La primera se sitúa en plena 2° Guerra Mundial, la segunda en el fin del conflicto, y la última en la devastación de la posguerra.

Argumento y estructura de Paisá

El film narra la liberación de Italia por parte de las tropas norteamericanas y se estructura en seis episodios que recorren el territorio de la península de sur a norte. Esta estrutura es la que, a mi modo de ver, la hace accesible. No es tediosa y sorprende.

1. Sicilia: una chica italiana ayuda a un grupo de americanos a penetrar en medio de un terreno que no conocen, tratando de que los alemanes no los vean.
2. Nápoles: un niño pobre que comete pequeños robos, deambula por una ciudad destruida acompañado por un americano negro, miembro de la policía militar, quien sueña con un regreso triunfal a su tierra. Sin rumbo y casi sin entenderse, logran conectarse. (¡Es mi episodio favorito!)
3. Roma: sobre un soldado americano y una prostituta italiana. Él, borracho, recuerda a una joven que conoció meses atrás, en una Roma llena de triunfo y alegría. Pero ahora Roma es otra y las muchachas también, muchas prostituidas a causa de la pobreza y la marginalidad.
4. Florencia: una enfermera inglesa se entera que el hombre al que ama se ha convertido en héroe partisano (italianos que resistían el avance nazi) y decide, junto a un amigo, escabullirse por una zona de combate para encontrarlo, o saber, al menos, que fue de él.
5. Emilia-Romaña: en un convento, unos frailes franciscanos viven ajenos a la guerra y reciben la visita de tres militares americanos que buscan refugio. Uno es católico, uno protestante y otro judío: ¿Cómo combinar la tolerancia, la fe y la figura de Dios en medio de la guerra? Una tregua espiritual que – aún siendo Rossellini un director católico- permite cuestionarse sobre la verdad y la vida.
6. Valle del Po: narra cómo los americanos y los partisanos intentan no ser encontrados por los alemanes. Un paisaje vacío, inabarcable; un partisano muerto flota sin rumbo por el río. La nada misma, el perverso souvenir de la guerra

Análisis de Paisá: en búsqueda del sentido

Cada uno de los seis episodios tiene como punto en común su desenlace epifánico. El espectador, los personajes o ambos son testigos de una revelación. Cada historia se resignifica y deja al descubierto lo absurdo de la guerra.

Si se tiene en cuenta que el filme cuenta la liberación de Italia por parte de los aliados, está latente el riesgo de creer que Paisá cae en el infaltable cliché hollywoodense de los americanos salvadores. Ellos, los héroes que liberan al país oprimido de turno de sus pesares y regresan triunfales en medio de vitoreo y banderitas agitadas por muñecas imposibles. Pero no esta vez, porque Paisá es una película italiana.

Si en Roma, ciudad abierta los nazis eran los antagonistas, y los italianos las víctimas, en Paisá los roles son menos claros, porque en la guerra hay dos bandos, pero al final del combate solo hay ruinas. 

Paisá resume la postura ideológica de Roberto Rossellini respecto a la inutilidad de lo bélico. Incluso la alegría por el fin de la guerra es cuestionada: ¿y ahora qué? La verdadera victoria sería que la guerra nunca hubiera existido.

*Este artículo fue publicado originalmente el 31/10/2011 en Suite101.net

Duración: 120 minutos

País: Italia

Año: 1946

Los muchachos de antes no usaban arsénico: no es lo que parece...

LK Tel Video

Voy a recordar una película que tuve que ver para la facultad hace varios años y que es una de las mejores que he visto hasta ahora. Es difícil de conseguir, pero un usuario de YouTube la subió completa así que no hay excusas, y ¡se lo agradecemos!. Olvídense de los prejuicios tipo: es vieja, es argentina, no es muy conocida... ¡que eso no los detenga!

“Los muchachos de antes no usaban arsénico” fue estrenada en 1976. Fue filmada en una única locación en Nordelta con un elenco de verdaderas estrellas de la época. Se trata de un film al mejor estilo Hitchcock. El encierro, pocos personajes, el terror que amenaza pero sin ser obvio....

¿De qué se trata “Los muchachos de antes no usaban arsénico”?

Una actriz de cine venida a menos vive en una casona en las afueras de la ciudad, junto a su marido, su ex – administrador y su médico. Cansada de estar aislada, decide vender la casa, pero los tres ancianos temen quedar en la calle y harán lo necesario para que la propiedad no se venda. Una joven, encargada de la gestión inmobiliaria, fingirá ser amiga de los ancianos, con el fin de convencerlos.

Los actores de la película: Ibañez Menta, Soffici y García Buhr

Narciso Ibáñez Menta fue el maestro del terror de la televisión con los recordados programas “El hombre que volvió de la muerte”, “Historias para no dormir”, “Obras maestras del terror” y "El pulpo negro". Español de nacimiento, con su particular voz, logró atemorizar a los espectadores con efectividad y no se privó de participar de filmes de otros géneros. Esa voz de Ibáñez Menta... gloriosa!

Mario Soffici, además de actor, tiene un lugar inscripto en la historia del cine argentino gracias a la dirección de películas como “Prisioneros de la tierra”, pionera por su temática social o la excelente “Rosaura a la diez”, la cual no solo dirigió, sino que escribió el guión junto a Marco Denevi y es considerada una de las mejores películas argentinas de todos los tiempos. Debería entrar directo a cualquier top 10 de films argentinos...

Arturo García Buhr trabajó como actor y director en cine y teatro, iniciándose durante la época del cine mudo. Su participación en el film “Fin de fiesta” (1960) de Leopoldo Torre Nilsson le valió una nominación como Mejor Actor en el Festival de Cine de Berlín.

Las actrices de la película: dos glorias del cine argentino

Quizás para los nacidos post años 70 no sean tan conocidas, pero por aquel entonces eran LAS estrellas. Mecha Ortiz fue una de las actrices más destacadas de la época del oro del cine argentino, al igual que su personaje en “Los muchachos de antes no usaban arsénico”.

Bárbara Mujica actuó tanto en cine como en televisión y entre sus éxitos se destacaron la telenovela “El amor tiene cara de mujer” y las prestigiosas series “Cosa juzgada” y “Atreverse”.

Martínez Suárez, el director del film

José Martínez Suárez comenzó su carrera como asistente de dirección en 1949 y debutó como director en 1960 con “El crack”. Solo filmó seis películas, pero de una calidad notable. En la actualidad se desempeña como docente y es el director del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Sí, también es conocido por ser el hermano de Mirtha Legrand.

Una película sobre tres viejitos autoritarios... ¿metáfora?

Si bien a simple vista “Los muchachos de antes no usaban arsénico” es una película de intriga con algo de humor ácido, una lectura de su argumento deja en evidencia que, además, se trata de una metáfora sobre el último golpe de Estado en Argentina, sucedido en 1976, momento en el cual fue producido el film.

Estos tres ancianos que manejan a su antojo lo que pasa en esa casa donde ya dos de sus esposas han desaparecido de forma sospechosa, son una clara referencia a ese país gobernado por la junta militar (de tres personas...) donde la gente desaparece sin saberse qué pasó con ellos.

Pero no es invento ni mérito mío! El propio director confirmó en una entrevista la doble lectura del film.

¡Véanlo! ¡Véanlo! y ¡Véanlo! Es una GRAN película. Un film de suspenso apto para cardíacos.

*Este artículo fue publicado originalmente el 15/7/2013 en Suite101.net

Acá, el film completo que está en YouTube (y tiene buen audio!!!):

https://www.youtube.com/watch?v=RgY4DCpZZRc

Duración: 110 minutos

País: Argentina

Año: 1976

'La boda de mi mejor amigo', la comedia romántica al revés

TriStar Pictures

Chica conoce chico. Que sí, que no. Que se odian, que se niegan, hasta que se dan cuenta que en realidad se aman y preparan un suculento plato de perdices para consagrar un final feliz. Ambos han encontrado el amor y todos contentos.

Todo historia tiene su estructura, y todo género, sus códigos y clichés. "La boda de mi mejor amigo" es una comedia romántica, de eso no hay dudas. Pero hay romances y romances. Cuando se ve una película de amor se sabe que los protagonistas terminarán juntos y quien elige ver este tipo de film no solo busca divertirse, también quiere hacer catarsis en ese final con beso que tan bien queda antes de los títulos.

De qué va la cosa (incluye spoiler)

En "La boda de mi mejor amigo" el conflicto se desata cuando Julianne (Julia Roberts) se entera que su mejor amigo, Michael (Dermot Mulroney), se va a casar. Ella entra en caos al darse cuenta que siempre estuvo enamorada de él. Julianne es nuestra heroína: debe conseguir el amor de Michael para tener su final feliz. La novia, Kim (Cameron Díaz), es rica, linda, joven, algo desquiciada, pero básicamente perfecta: enemiga ideal para la mujer promedio. Julianne tiene a George (Rupert Everett), su otro amigo: inteligente, elegante, apuesto, soltero…y gay. Con un amigo comprometido y otro sin posibilidades amorosas, Julianne se encuentra en la crisis de cualquier mujer soltera que no vislumbre a su príncipe cerca. O que lo ve, pero está ocupado. Para variar, Julianne es nombrada madrina de la boda: tendrá que pasar tiempo con la harpía que le quitó al hombre –su hombre– al que no sabía que amaba. ¿Cuál fue la mala acción de Kim? Ninguna. ¿Quién está actuando mal? Julianne. Por eso, porque si hay algo que caracteriza al cine es la justicia final de los argumentos, nuestra heroína no logrará conquistar a Michael. ¿Por qué? Porque, en realidad, ella es la villana.

¿Qué la hace diferente? 

La película fue una comedia romántica exitosa, presente en cualquier listado de las mejores de su género. Pero su logro no es el romanticismo, sino el cambio en la focalización del relato: es una historia de amor contada desde el punto de vista de la villana. Esta ambigüedad, que destroza el maniqueísmo de buenos y malos, es lo que hace de esta película una comedia romántica distinta. Todos queremos que Julianne conquiste a Michael, pero el deseo no será concedido, porque aunque la historia esté contada desde “la mala”, quienes triunfan son “los buenos”.

¿Realismo? Algo de eso hay

"La boda de mi mejor amigo" habla, como toda comedia romántica, de la imposibilidad de encontrar el amor. Y la soltería que se potencia si, como dice George: “la mayoría de los hombres solteros tremendamente guapos de su edad son gays”. Pero el reclamo no es exclusivo de Julianne: “se busca soltero de treinta y pico, sin compromisos (pero dispuesto a uno), heterosexual y ligeramente irresistible” ¿Quién dijo que el cine no es realista?

Viene spoiler de nuevo! (igual la vio todo el mundo, pero por si acaso...)

"La boda de mi mejor amigo" es de esas comedias románticas distintas. Julianne termina sola y sin promesas de amor, bailando con George, al ritmo de la archifamosa canción “I say a little prayer”. Porque como él le dice: “¡Que demonios! La vida sigue y quizás no haya matrimonio, quizás no haya sexo, pero...¡como vamos a bailar!”. Y al final, bailar sola también es bailar.

Título original: My best friend's wedding

Duración: 105 minutos

País: Estados Unidos

Año: 1997

De yapa, lo menos visto de la película: los títulos del comienzo (típico que la agarrás empezada en el cable...)

*Este artículo fue publicado originalmente el 23/12/2013 en Suite101.net

Crítica de "El clan": la película sobre el caso Puccio

Matanza Cine

Hace tiempo suele pasar algo con el cine argentino. Además de las películas independientes que logran poca repercusión o las marketineras "populares" sin grandes aspiraciones, están esas otras películas. Las que logran la soñada combinación de buena historia + elenco convocante y bueno + director prestigioso. "Relatos salvajes" fue el último gran exponente de esto. Con "El clan" tenemos ese mix otra vez.

LA BUENA HISTORIA

La película narra la historia real del clan Puccio, una familia aparentemente normal que realizaba secuestros. El jefe del clan era Arquímedes Puccio y lo ayudaba su hijo Alejandro, quien era un popular jugador de rugby en el CASI. No cuento más para no arruinarles detalles.

Contar una historia real y hacerlo bien, es de un mérito enorme. La dificultad que esto implica es que estás contando algo que muchos saben de qué se trata y cómo termina: la gracia está en el intermedio.


EL ELENCO CONVOCANTE Y BUENO

Y tenemos las actuaciones. Guillermo Francella siguiendo este camino de actor dramático que es maravilloso y del cual lo único que podemos lamentar es que no haya comenzado antes!!! (tengo que decir que adoro cuando los actores cómicos hacen dramas). Su composición es tan precisa, milimétrica. Hay una postura, no solo en la dureza de los gestos sino en la forma de moverse, pararse, mirar, que refleja el actuar de un sádico. Es una maldita roca carente de moral y lo expresa con cada músculo posible. No hay una pizca, pero ni la más mínima del Francella famoso. Lo digo porque en "El secreto de sus ojos" su rol, si bien era dramático, tenía un gran componente de humor. Pero acá, nada. Un criminal de esa talla no podía permitirse sonreír y Francella tampoco lo hace. Está perfecto.

El otro hallazgo es Peter Lanzani. Por supuesto que muchos de nosotros ve en él (veía, en mi caso, hasta hace un rato) al chico de "Casi Ángeles", que actúa en tiras adolescentes y bla bla bla. Bueno, quiero contarles que con su rol en "El clan" nos acaba de cerrar la boca a todos. Hay una sólida evolución como intérprete que derriba cualquier prejuicio. Se los digo porque hace unos años lo vi en el musical teatral de "Camila" y estaba bien, pero faltaba algo. Acá no falta nada. Es un actor con todas las letras que lleva el peso de la película a la par de Francella, e incluso más, porque la historia pasa más por él, su punto de vista, su ambigüedad moral, su situación de víctima de su padre pero cómplice voluntario del horror. Y encima, el physique du rol no podía ser mejor.

Matanza Cine

EL DIRECTOR PRESTIGIOSO

Cuando veía a Lanzani (perdón si me cebo con él pero es que es muy grosso lo que hace) pensaba también en cómo una buena dirección puede impactar en el desempeño de un actor. No solo creo que evolucionó de forma insospechada sino que estuvo magníficamente dirigido por Pablo Trapero, al igual que Francella. Sin dudas los actores pusieron lo suyo y el director sacó lo mejor de ellos.

Otro mérito de la dirección es evitar el morbo. Tratándose de un film sobre secuestros, uno puede temer ver una exhibición de sangre, golpes, masacre y toda una serie de imágenes que provoquen rechazo. Nada de eso, porque Trapero encuentra un modo mucho más inteligente de plasmar todo eso: la violencia de lo perverso. Es todo tan cínico que sería redundante intentar graficarlo. Sería inútil. Toda la crueldad es psicológica y está en la carencia absoluta de cuestionamiento moral de los personajes, en especial en el caso de Arquímedes y Maguila. En la esposa y la hermana mayor, la indiferencia también logra ser atroz y repugna más que la sangre.

Otra cosa que me resultó curiosa es la música. Imagínense que el clan acaba de secuestrar a alguien y va a llevarlo a su lugar de cautiverio. ¿Suena música de suspenso? ¿Silencio? No, la alegre "I ain't got nobody". El contrapunto de música e imagen es una ingeniosa constante de la película que la corre del lugar común.

LA GENIALIDAD

La película es un gran flashback. Cuando se terminan las idas al pasado en la historia, el relato sigue unos minutos más. Entonces, ¿qué gracia puede tener el final si sabemos cómo termina desde el minuto uno? TODA. Con mayúsculas. Porque los 15 segundos finales son todo. Perfección técnica en el efecto, excelencia actoral de Lanzani y brillante decisión de guión. ¿Cómo sorprender en el final de una historia conocida? Así, como lo hizo Trapero y dejó a toda la sala con la respiración contenida ante lo inesperado. 

La historia es muy buena, el final (15 segundos...) es de los mejores que he visto en mi vida. Brillante es una buena definición para no redundar en adjetivos. Véanla, es historia y encima, una película estupenda. Por ahí va el cine argentino que queremos: convocante y de calidad.

Duración: 108 minutos

País: Argentina (coproducida con  España)

Año: 2015

Crítica de El destino de Júpiter: la insólita historia de una Cenicienta intergaláctica

Warner Bros.

Estos tipos hicieron Matrix, no es pretencioso esperar que un nuevo film sea al menos potable. Pero, gente, lo que me costó terminar de ver "El destino de Júpiter"... Los Wachowski eran el gancho para verla. Para muchas también Channing Tatum era el encanto de la película, pero justo no es mi tipo (prefiero a Eddie Redmayne que también trabaja, pero encima me lo deformaron...!). O sea, a entregarse a ver qué pasa.

¿Por qué no me gustó? Vamos con el argumento: una joven rusa que limpia casas es contactada por seres extraterrestres que le informan que es parte de la realeza intergaláctica porque tiene el mismo ADN que la antigua soberana. Entonces, cuando unos aliens quieren matarla, aparece nuestro héroe tonificado que la rescata y la traslada de la Tierra a algún lugar en el espacio (con la facilidad que yo voy al chino de la esquina) donde se cruza con los tres hermanos soberanos del universo, uno de los cuales pretende casarse con ella. Ok. Ponele. Me van a decir que también nos creemos que Superman vuela y nadie lo cuestiona. Pero no es lo mismo. Por algo Superman sigue siendo popular después de tantos años mientras que de esta película estrenada en febrero 2015 ya no se acuerda nadie.


¿Cuál es la diferencia entre Superman o cualquiera de su tipo y "El destino de Júpiter"? Miles... No pretendo hacer un análisis profundo pera vamos con las cosas de este film que, para mí, lo hacen malo:

• Es inverosímil: el argumento en sí se pasa de rebuscado. Esa inverosimilitud pasa por la falta de explicaciones. ¿Por qué nos creemos Interstellar? Porque hay argumentaciones que estamos dispuestos a creer. La ciencia ficción radica en eso: la justificación de la ficción mediante explicaciones científicas. Acá, hay pocos intentos de que entendamos. 
• La protagonista no se cuestiona nada: un día está limpiando inodoros y al otro está casándose con un alien y lo asume con total naturalidad. Obvio, no es culpa de Mila Kunis sino del guión. Viaja por el espacio como si nada, no se estresa, no se despeina y ¡por Dios! jamás se le corre el maquillaje. Ella tiene que preguntar y encontrar explicaciones para que nosotros espectadores entendamos. No hay posibilidad de identificación con el personaje si ella da por sentado que un día puede secuestrarte un extraterrestre y decirte que sos la heredera de la Tierra. NO PODÉS NO PREGUNTAR QUE PASA!!!! #Listolodije #Mesaqué
• No hay tensión. El agraciado Channing, que me olvidé de decir que es un híbrido entre lobo y humano (??) frunce el ceño, pelea, rescata a la chica, vuela, mata aliens, vuelve a rescatar a la chica... y no genera una gota de adrenalina. No sabés por qué pelea, por qué son malos los otros, por qué hay tantos bandos... Es el típico personaje "hombre bueno que actúa al margen de la ley porque el sistema lo excluyó". Igual eso no es un problema...
• ¿Qué le pasa al malo? Con la actuación de Eddie Redmayne no me termino de decidir. Es visceral, sí, pero ¿la verdad? No sé si es muy buena o muy mala. Lo que sí, es extrema. Este muchacho gesticula como loco mientras que a Mila no la altera volar en una nave especial. Quizás sea un problema de contrastes...
• Mientras todo esto pasa y la chica desaparece llevada al espacio por extraterrestres, en la casa de la joven todo sigue casi como si nada. 
• ¿Quieren romance? ¿Acción amorosa entre la chica linda y el musculoso? Olvídense...
• Es el festín de una feminista. La pobre chica es rescatada una y otra vez por el fuerte héroe musculoso. Ella es un ser pasivo que no acciona mientras el hombre la rescata, la guía, la salva... Ok, que el tenga zapatos voladores y ella no es una ventaja, pero aun así me quedo con mi querida Katniss de Los Juegos de Hambre.

Lo bueno: los efectos especiales. El problema es que si solo tenemos eso... no tenemos nada. También puede haber algún gancho por el tema de la simbología... Yo me acordé de Demian de Hermann Hesse porque el apellido de los reyes es Abrasax... seguramente un análisis más profundo de gente que sabe de símbolos antiguos podría darnos datos más interesantes en este punto. A esto le podemos sumar una obvia metáfora al capitalismo, sobre el final de la película. Pero eso no le quita lo mala, jeje.

También están geniales los vestidos de Mila Kunis, si eso sirve de algo. Y el afiche promocional está simpático no?

No había reseñado una película que considere realmente mala hasta este momento, pero con esta estreno. E insisto, no es un tema de gustos, que sea inverosímil no es lo mismo que "no me gustó". Es mala, solo se las recomiendo si son fervientes admiradoras de Channing Tatum o Mila Kunis. 

Ah! Me olvidaba: los lacayos de uno de los reyes son como unas tortugas ninjas gigantes mezcla con dinosaurios. Estamos todos locos, chicos. En serio. Porque ¿saben qué pasa? Hay muchas películas del género absurdo, pero, como tales, son graciosas. Se asumen como un delirio. En cambio, los Washowski se tomaron esta fantasía demasiado en serio y se estrellaron.

Título: Jupiter ascending

Duración: 127 minutos

País: Estados Unidos

Año: 2015 

El nuevo exótico Hotel Marigold: el gancho de la realeza actoral

Aunque me gustan las películas con títulos rebuscados, tengo que reconocer que lo que me llevó a ver esta fue el elenco. ¿Qué puede fallar cuando tenés a Maggie Smith y Judi Dench en un film? Muchas cosas, pero no las actuaciones.

"El nuevo exótico Hotel Marigold" es una comedia en la que se disfruta ver a tantos grandes actores juntos. A ellas se suman también Bill Nighy (más conocido como el rockero adicto de "Realmente amor"), Penelope Wilton (más conocida como la amiga de Maggie Smith en "Downton Abbey") y Richard Gere (bueno, no se si es un GRAN actor, pero está bien, lo queremos). Además, tenemos la chispa de Dev Patel... más conocido como el chico de "Slumdog Millionaire". 

La historia transcurre en la India. Sonny es un joven dueño del hotel Marigold y debe lidiar con los preparativos de su futura boda y el deseo de ampliar el hotel con el apoyo de una empresa internacional que mandará a alguien encubierto para decidir si invierte o no. Mientras, un grupo de personas de más de 60 años, en su mayoría ingleses, vive allí intentando solucionar sus pequeños conflictos amorosos (con lo que implica eso a esa edad, bien distinto del romance tonto de muchas películas). 

Creo que hay dos cosas que le juegan en contra a este film dirigido por John Madden. Por un lado, su estructura coral no maneja los tiempos justos. Se queda poco tiempo en cada historia, pero a la vez estas no desarrollan un conflicto de peso. Demasiados saltos, poca intensidad y un nudo principal que solo tiene cabida por momentos. La ampliación del hotel parece ser el hilo conductor, pero buena parte del tiempo eso se pierde de vista. Pese a esto, la película se entiende perfectamente, pero sin generar grandes sobresaltos. ¿Lo bueno? No tiene golpes bajos, incluso cuando era esperable que los tuviera. ¡¡Bien por eso!!

Dentro de los puntos buenos (no es tan mala como sonó en el párrafo anterior) está el contexto. La India con su color, su ruido, sus multitudes, sus telas, su alegría. Eso es maravilloso y hacia el final tendremos el momento Bollywood que estamos esperando, con su peculiar cuadro coreográfíco. Y lo otro, claro, es Maggie Smith. Es la reina y nadie le quita esa corona. Es brillante, siempre, sin excepciones.

Un elenco magnífico para una película coral que cumple hasta ahí.

El dato: es la segunda parte de "El exótico Hotel Marigold", pero se puede ver y entender como un film independiente, eso tiene su mérito.

Título: The second best exotic hotel Marigold (ponele un título!)

Duración: 122 minutos

País: Reino Unido

Año: 2015

Crítica de Ocho Apellidos Vascos: desde España con amor

Lazona Films

Vale, que escribir sobre esta película me pone en modo "me hago la ibérica". Ostias, que mejor me dejo de gilipolladas y les cuento. Pues bien, hacía mucho que no veía una película española. No tenía idea de qué trataba, pero el título me sonaba tentador. Y encima mi apellido es vasco... me dió curiosidad.

"Ocho Apellidos Vascos" es una comedia romántica, más comedia que romántica y eso me pareció lo mejor. Depende de los gustos, claro, pero yo la encontré graciosa, llena de gags efectivos. Su título no es gratuito: "la cosa española" impregna la película. Es casi su razón de ser, porque en torno a eso gira su argumento. Un sevillano conoce una noche a una vasca. Él, más con antecedentes de dandy que de romántico, se descubre enamorado y viaja al País Vasco para buscarla. ¿Cursi? NADA. Ni un pelo de violines, sino todo lo contrario. Chistes sobre el miedo de los sevillanos a que la chica sea de ETA están a la orden del día. Humor negro, negrísimo, sobre un tema que uno supondría demasiado delicado para bromear. Pero ahí está el absurdo: ahí está el hallazgo.

La chica no quiere saber nada hasta que de golpe ese tío de Sevilla le resulta útil tras la inesperada llegada de su padre, porque a la vasca la dejaron plantada antes de su boda y quiere que su padre no se entere. ¿Realista? No, pero está bien porque no pretende serlo.

Hay tres tipos de comedias románticas: a) las absurdas que son más graciosas que románticas, b) las realistas que no caen en clichés ni cursilerías exacerbadas y c) las que se pretenden ser realistas pero hacen mal al cerebro.

"Ocho Apellidos Vascos" es de la categoría a). Además de una divertida comedia es una pequeña lección de idiosincracia española. Es una postal de paisajes bellísimos. Es una película con buenas actuaciones, ritmo justo y un guión efectivo carente de baches.

Para pasar un buena rato, queda súper recomendada.

ELENCO

• Clara Lago (Amaia) es la chica vasca testaruda, antipática, pero frágil. Gran trabajo del peinador. Super creíble lo de arisca!
• Dani Rovira (Rafa) es el sevillano al que le quitan todo menos la gomina. Está fantástico y muy gracioso.
• Carmen Machi (Merche) es la falsa madre vasca de Rafa. Maravillosa.
• Karra Elejalde (Koldo) es el padre vasco (hasta la médula y con la cantidad de apellidos vascos necesarios para ser considerado de pura sepa) que viene a dar vuelta todo. Como Robert De Niro en Los Fockers... y así de bueno también.

Duración: 98 minutos

País: España

Año: 2014

Begin again - ¿Puede una canción de amor salvar tu vida?

Exclusive Media Group

Ahí está el afiche para hacernos creer que es una comedia romántica. Tenemos a los protagonistas en conflicto amoroso: todo está dado para que terminemos de ver la película con el clásico pensamiento post-beso final y títulos "Ay, que romántico" y luego, usualmente, invade un cierto sentimiento de frustración que concluye en: "Ok, no tengo que ver más comedias románticas" y análisis que llevan a cuestionar lo que se supone que ya sabemos: Mister Darcy no existe y las películas son películas.
Bueno, todo esto es lo que NO les va a pasar si ven "Begin again". Y no, no es porque termine "mal".

¿Entonces? Acá se me viene a la cabeza el bendito tema del verosímil. Dicho en criollo: si en Superman un hombre vuela, está todo bien. Si en El Padrino un hombre vuela, es ridículo. Todo depende de aquello que estamos dispuestos a creer según el tipo de película que vemos. Eso hace que algo sea verosímil, pero otra cosa es el realismo. "Begin again" no solo es verosímil (como en general lo es cualquier film que no sea desesperadamente malo o experimental), también es realista.

La cosa es así: Gretta y Dave son novios, hasta que él se vuelve un músico muy popular y deja a la antigua novia por una chiruza de turno. Dan es un productor discográfico que no está de racha. Un bar los une cuando ella canta una canción (la del título) y él le ofrece producirla.

Ok, si tu sueño es ser músico quizás digas: si, claro, como si eso fuera a pasarme. Bueno, no todo puede ser realista (o quizás sí puede pasar!). Pero la película es fantástica, porque no es pretenciosa y llega lejos. La idea del disco es brillante, o sea, alguien debería hacer eso en la vida real. Y las relaciones humanas (porque se trata más de eso que de romances) son realistas. No hay ataques de histeria ridículos, llantos exagerados, peleas desquiciadas, corridas finales por las calles, besos explosivos. No hay falsedad, es como si todo eso pudiera estar pasando y alguien te lo cuenta y le crees.

La imagen final en bicicleta es la razón por la que Keira Knightley muestra que hace la película que quiere. Tiene una visión (pueden leer sus entrevistas) y es clara. Es coherente. No hace films tontos. Esa imagen, sin palabras, es todo un mensaje. No es una moraleja, sino un punto de vista que Hollywood no acostumbra a mostrar.

No es un musical, pero si les gusta la música (más que al promedio de la gente), es una película de visión obligatoria. Fotografía y vestuario encantadores, duración justa. Les va a gustar. Es de John Carney, mismo director de "Once".

ELENCO

• Keira Knightley (Gretta) en la primera película en que la veo en tiempos actuales. Es una genia, tan natural. Y quiero sus vestidos, si ven alguno parecido me avisan? (Nota: lo siguiente es edición posterior, ustedes comentan y me recuerdan cosas!) Si, Keira es perfecta porque encima de todo canta, canta lindo, de esas voces que se disfrutan.
• Mark Ruffalo (Dan)... como lo quiero. Actúa súper bien, no hace falta ni decirlo. 
• Adam Levine (Dave) cumple. Tiene que hacer de músico y de eso sabe. No sorprende, pero hace bien lo que tiene que hacer, tampoco lo vamos a nominar a la revelación del año...
• James Corden (Steve) hace del mejor amigo de Gretta y es fabuloso. Tiene algo de Jack Black... Sospecho que pronto será mucho más famoso y tiene con qué.

Duración: 104 minutos

País: Estados Unidos

Año: 2013

Les dejo uno de los temas más importantes de la película, Lost Stars, que estuvo nominado al Óscar. Si siguen la lista de reproducción, está la versión por Adam Levine :)

"Divergente": la primera parte de la saga que todos comparan con Los Juegos del hambre (y tienen razón)

Summit Entertainment

Me dijeron que era como "Los Juegos del hambre" pero sin tanto vuelo. Tenían razón. Pero no significa que sea mala, de hecho me gustó. El problema es que las comparaciones son odiosas y es imposible verla con ojos vírgenes. Habiendo visto "Los Juegos del Hambre", "Divergente" es mucho más sencilla. 

Se trata de una película de ciencia ficción distópica en la que la ciudad de Chicago (no se sabe o no me percaté de qué sucede en el resto de la humanidad) se divide en facciones, según la tendencia natural de sus habitantes. Abnegación ayuda al prójimo, Erudición lucha contra la ignorancia, Cordialidad es pacífica y trabaja en el campo, Verdad va contra el engaño y Osadía se niega a la cobardía. 

A los 16 años, cada joven toma una prueba que le dice para qué facción es más apto, pero tiene la libertad de elegir otra. Los que finalmente no encajan son los "sin facción". 

Pues sí, en ese mundo se trata de encajar. ¿Qué pasa si alguien no es cuadrado? ¿Si es valiente y abnegado, por ejemplo? Está en problemas. Es divergente. Sí, claro está de ellos tratará la historia. Atrapa bastante, hay tensión y vamos a sufrir un poco. No es "Los juegos del hambre", no pretende tanto, pero aún así, si te gusta ese tipo de película (que vengo descubriendo que me fascinan!) entonces mirá "Divergente" y deleitate comparando ambos filmes. 

Tendremos nuestra heroína femenina y su galán de turno. Estarán los malos, muy malos, los sacrificados, los redimidos. Hay un cierto maniqueismo y eso le quita. Hay cierto confort también al no indagar un poco más en todo. Pero entretiene y querés ver cómo sigue. Eso no es poco.

ELENCO

• Shailene Woodley (Beatrice "Tris" Prior) está correcta. ¿Cómo hago para no compararla con Jennifer Lawrence? No hay chance, es un personaje muy similar!! Pero lo de Tris es menos emotivo...
• Theo James (Tobias "Four" Eaton) es nuestro galán y sí, aunque no pare de tener el ceño fruncido lo vamos a querer. ¿Difícil no querer al galancete no?
• Kate Winslet (Jeanine Matthews) y qué hace ella en esta película??!! No es el lugar donde uno esperaría verla, eso es seguro. Pero es Kate, por supuesto que está fantástica.
• Ashley Judd (Natalia Prior - madre de Tris) para mi su elección es un guiño. Por el tipo de películas que supo hacer... y acá en el final...la facción... piénsenlo, no quiero adelantar el desenlace.
• Zoë Kravitz (Christina) pues claro que la nombro para que sepan que sí, ese apellido la delata. Es la hija de Lenny. Es el dato chusma del post, sorry.
• Milles Teller (Peter) lo veía y digo, de dónde lo tengo a este pibe... "Whiplash". Sep, es el protagonista. Y acá tiene un papel menor, pero merecía la pena notar que participó en dos películas tan distintas que justo vi juntas :)

Título original: Divergent
Duración: 139 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2014

Y se viene Insurgente....! La parte dos ahora y luego vendrá la parte 3 dividida en dos partes (si... igual que "Los Juegos del Hambre")

Les dejo el trailer:

¡Temporada de premios! Crítica de "Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)"

Fox

Me habían comentado que era extraña, que estaba sobrevalorada, que era una genialidad: de todo un poco. Acá les cuento mi punto de vista (y ese detalle fundamental que nadie dice!!!).

"Birdman" trata de un actor que fue muy famoso por hacer de superhéroe y que ahora intenta volver al ruedo debutando en Broadway. Ese argumento podría ser una simple película triunfalista, donde al final todos se levanten de pie el día del estreno para ovasionar el gran regreso. Sí, por que el show business es amoroso y acogedor. O quizás no. Quizás la película sea otra. Podría ser un dramón sobre la decadencia de un actor y lo malo que es el mundillo artístico con sus héroes en retirada. O quizás no. La película es otra cosa. Y por eso, entre otras cuestiones, me parece un verdadero hallazgo. 

"Birdman" es original, creativa, inteligente, reflexiva, profunda, delirante, inquieta, novedosa. Y decir todo eso de una película de Hollywood no es poco. Es mucho. El relato no es dramático, pero tampoco es gracioso. Es sorprendente. Es ácido, sin pecar de soberbia intelectual. Es "el cuentito" pero no lo es. ¿Es delirante? No. O puede que yo haya visto cosas muchos más locas. ¿Es rara? Si, porque su creatividad así lo exige.

¿La puede ver cualquiera? En la medida en que tenga ganas de ver algo que se corre un poco de la norma, sí. ¿Es cine clásico? No, claro que no. 

Fox

Dicho eso, el detalle fundamental, que nadie me había dicho: el film es un enorme plano secuencia!!! Gente, el tipo no corta, la cámara filma y no corta y recorre teatro, camarines, calle, bar, techos, va y viene, y no corta. ¿Saben el mérito que implica hacer eso? Es una diferencia abismal en términos de realización, desde lo técnico (escenarios, luces, foco, etc, etc) hasta lo actoral (cambios de ropa y no te olvides la letra que va todo de  nuevo). 

No pude evitar mirarla con ese ojo, con una parte de mi cerebro siguiendo la cámara, para ver como cambiaba de escenarios y de tiempos sin cortes. Hay uno explícito al final, sí, pero es bien adrede y funcional a la historia. 

Y nos queda el tema. Porque si digo que una película es profunda y reflexiva no es por el bendito plano secuencia. No. Es porque dice algo. "Pinta" una realidad, pero con una magnífica discreción que no la hace una fábula sobre lo bueno y lo malo de la fama. Es más inteligente que eso. Está para verla varias veces y hacerse un festín de análisis. Pero bien, la vi una vez y puedo decir que Hollywood está ahí. No su glamour, sino su miseria, su silencio, su olvido, su estrategia de marketing evidenciada, su karma, su calidad de máquina. Los creadores del filme dijeron que la elección de Michael Keaton para el rol no fue casual. ¿Qué recordamos de Keaton? Que fue Batman. ¿Que recuerda la gente de Riggan Thomson? Que fue Birdman.

Gran película, gran realización, buenas actuaciones. Aire fresco, por fin.

Temporada de premios: ¡predicciones! ¿Qué puede ganar?

Digo esto habiendo visto El Grand Hotel Budapest, El Código Enigma y La teoría del todo (lo que hace que uno vaya recalculando, claro).

• Mejor película: puede ganar, salvo que Hollywood se considere criticado (aunque no creo... es casi una comedia). Sino, quedará para Boyhood que también tiene un planteo que merece ser reconocido (ya la voy a ver, ya).

• Mejor dirección: Alejandro González Iñarritu no quiere ser menos que Cuarón y está muy bien. Viva México! Si! La Academia siempre lo considera y puede ganar, salvo que se lo quite Richard Linklater. También estaríamos contentos. Para mí, se va a debatir entre ellos dos.

• Mejor Guión original: tendría que haber visto el resto para comparar, pero si, claro que lo merece, además ya se llevó el Globo de Oro. Y dos de los cuatro escritores son argentinos. Venga esa estatuilla!

• Mejor actor: les dije antes que Eddie Redmayne debería ser el ganador indiscutido. Pues lo sigo pensando, pero lo de Michael Keaton es fabuloso. Si Eddie pierde porque el combo lindo + joven + desconocido + inglés le juega en contra, Keaton se asegura estatuilla. Y sería la forma de la Academia de decir: ¿vieron que la película no tiene razón, que no nos olvidamos de los actores?.

• Mejor actor de reparto: Edward Norton está súper bien, como siempre. Pero si van a apostar, háganlo por J.K. Simmons, es el favorito.

• Mejor actriz de reparto: Emma Stone también está muy bien y tiene una escena que te quedás como WOW. Peeero, Patricia Arquette tiene las de ganar. 

Fox

No suelo hablar de rubros técnicos porque a) a nadie le preocupan b) está difícil dar una predicción. Pero dada la importancia de los rubros técnicos en "Birman", a por ello:

• Mejor Dirección de fotografía: como les decía, vas paseando por la cámara por mil lugares con distintas luces y sin corte. Tremenda planificación implica eso, para que salga bien. Sí, por supuesto que se lo merece.

• Edición y mezcla de sonido: son dos categorías diferentes y está nominada en las dos. Y el tema del sonido "se le nota". Quizás... (aunque confieso que nunca sabré la diferencia entre ambos rubros).

Fox