¡Temporada de premios! El Gran Hotel Budapest

Scott Rudin Productions

Uno no comienza a ver una película de Wes Anderson sin tener en cuenta que es una película de Wes Anderson. Es que el muchacho tiene estilo. 

La historia atrapa, no vamos a negarlo. Queremos ver cómo se resuelve, qué sucede con el botones, el conserje y toda esa gente detrás de una gran herencia y el Gran Hotel Budapest. 

Solía decir una profesora mía que intentar separar forma y contenido es inútil. Pero veo esta película y no hay manera de no caer en la tentación. Los maravillosos encuadres, la marcada dirección de actores que potencia lo cómico, planos generales (panorámicos y más) que aportan tanto como los primeros planos: todo es una decisión estética que aporta personalidad al film. Porque podría filmarse la misma historia de forma tradicional, pero no sería Wes Anderson, no sería autoral, no sería un film del que estuviésemos hablando. 

Y está también esa otra cosa tan de autor: los actores fetiche. Mientras veía la película estaba esperando ver esas caras que me confirmen que es un film de Anderson. No lo es si no están Owen Wilson y Bill Murray, aunque sea por cinco minutos. Estarán también Jude Law, Williem Dafoe, Edward Norton y Adrien Brody, caracterizados, como sumando encanto. Y además, nos guiarán ellos, esa genialidad de dupla que resultó ser Ralph Fiennes y Tony Revolori. Fiennes es algo asombroso, no solo por este personaje, sino porque mientras escribo lo recuerdo como uno de los sádicos nazis en La Lista de Schindler. Eso sí que es tener amplitud de registro... 

Los cuadros dentro de cuadros son otro punto que atrapa: la historia de la historia de la historia. La chica que lee el libro que escribió el de la estatua sobre lo que le contó un tipo hace mucho... Un bonito marco que le suma aún más puntos. A verla, que arrancan las premiaciones. Y qué buen sabor tiene palpitar los Óscar pudiendo comparar.

Temporada de Premios 

• Reciente ganadora del Globo de Oro a la Mejor película Comedia/Musical, parece demasiado comedia como para el Óscar. 
• La dirección, sin duda, merece una estatuilla, pero en el camino se interpondrá, creo que inevitablemente, ese experimento cinematográfico que es BoyHood de Richard Linklater, y contra eso, estará dificil. (Aclaro: aun no la vi, pero por el planteo mismo ya merece un Oscar, debe ser una genialidad). 
• Algún rubro técnico seguramente obtenga reconocimiento... dirección de arte, vestuario, fotografía ¡se lo merecen! 
• También estará difícil para Fiennes, que aunque lo merezca, tendría que vérselas con los recientes ganadores del Golden Globe: Eddie Redmayne y Michael Keaton, ambos con muchos puntos a favor para ganarle. Y, además, los roles cómicos no son favoritos de la Academia. 
• El guión tiene chances, apuesto por la nominación, no tanto por la consagración (cuando sepamos los nominados les digo).

Los Juegos del Hambre. Sinsajo Parte 1 - Crítica, comentario o como lo quieras llamar :)

Lionsgate

Nunca me había enganchado con una saga, hasta que llegaron "Los Juegos del Hambre" para ser la excepción. Hablemos de Sinsajo 1... pero sin adelantar para los que no la vieron. ¡Qué difícil! 

Bueno, para empezar, hay una diferencia lógica entre ésta y las primeras dos entregas: en la uno, tenemos el primer juego, en la segunda, el juego aniversario, en la tercera nos salimos de esa esfera de falso mundo de los juegos que destruyó Katniss con su flecha y nos vamos al exterior. Allí afuera veremos ese mundo distópico que encuentra en Katniss, su sinsajo. Será el distrito 13, el que había desaparecido, el escenario de la acción. Una vez leí una frase, creo que de Cachito Vigil, que me quedó grabada en el cerebro: "Nadie nace líder. Pero un día, el líder nace". Pues bien, Panem está destinado a cambiar, o no tendríamos película. Y esperemos que ese juego en el que Katniss reemplazó a su hermana haya sido el tiro por la culata para el presidente Snow. 

Sin decir por qué, sí confieso que en esta entrega por primera vez me importó la línea argumental amorosa. Antes venía por lo bajo esa cuestión de ¿se quedará con Peeta o con Gale? Pues ahora la intriga sigue igual de inconclusa (con otros condimentos) pero, de golpe, importa. De cierto modo (que solo entenderán los que la vieron) la historia de la rebelión en Panem y de los amores de Katniss se unen. Dice la teoría, que cuando se llega al climax del relato, al segundo punto de giro argumental, ambas intrigas se unen para resolverse. Todo parece indicar que eso es lo que va a pasar. Aunque, creanme, más allá de la especulación, ni por asomo es obvio con quién se va a quedar. 

Al principio la película arranca tranquila, van a poder comer sus pochoclos, mientras piensan... ok... ¿será la calma que antecede al huracán? Claro que sí, habrá acción, tensión en la segunda mitad del film. Y no está mal, porque más sería agotador. 


Queda esperar que triunfe la justicia poética: los malos castigados y los buenos redimidos. Pero "Los Juegos del Hambre" no es tan simple. Panem es injusto, sádico, perverso. Eso no se soluciona fácil. Todos son víctimas del sistema, víctimas de una guerra institucionalizada, de una falsa paz a costa de sangre. ¿Podrán una chica y un pueblo harto contra eso? Veremos que nos preparó Suzanne Collins. 

De momento tenemos una fantástica saga llena de realidad, de metáforas sobre el poder, el pan y circo, los medios de comunicación, la falsedad, la violencia intitucional... y el siempre anhelado surgimiento de un líder que libere a los oprimidos cuando estos están dispuestos a ser liberados. 

Ya que ando leyendo "Utopía" de Tomás Moro, cito esta oportuna frase: "Vivir uno entre placeres y comodidades, mientras los demás sufren y se lamentan a su alrededor, no es ser gerente de un reino, sino guardián de una cárcel". ¿Entendió Presidente Snow?                                                                                           
La resolución seguramente será cruel, porque la realidad lo es. ¿Habrá final feliz o agridulce? En un año, lo sabremos.  

ELENCO (solo voy con algunos nombres que se siguen sumando)

• Julianne Moore (Alma Coin): es completamente lógico elegir a una mujer para ese rol, en una historia donde la mujer es la líder ¿no?
• Philip Seymour Hoffman (Plutarch Heavensbee): lo nombro solo para recordar que aquí seguirémos viéndolo y pensando en su terrible pérdida. Somos muchos sus fanáticos. Que pedazo de actor!
• Natalie Dormer  (Cressida) es otra girl power! Buen rol. Excelente corte de pelo le han hecho...
• Elizabeth Banks (Effie Trinket) no la había nombrado en las anteriores reseñas, pero en esta entrega su personaje, aunque sigue siendo secundario, toma otro color (literalmente) y se vuelve más interesante, más humano. 

Título original: The Hunger Games: Mockingjay Part 1
Duración: 123 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2014

Podés leer las otras reseñas aquí:

Los juegos del hambre 

Los juegos del hambre: en llamas

Y de yapa, un videito que cuando veas la película, te va a encantar ;)

Wakolda (aka "El Médico Alemán")

Historias Cinematograficas Cinemania

Lo primero que hice cuando terminé de ver Wakolda fue sumergirme en la Wikipedia ¿Realmente algo de eso pudo haber pasado? (lean esto)

Wakolda se corre de la idea que uno tiene creada del cine argentino actual, más allá de que te guste o no el cine nacional. ¿Algunas de las razones? Es un film de época, toca el tema nazi desde la ficción y tiene una realización prodigiosa. Y es lo segundo lo que me resultó un verdadero hallazgo. Hemos visto películas sobre la Segunda Guerra Mundial por doquier: desde La vida es bella hasta La lista de Schindler, desde Indiana Jones hasta La novicia rebelde.  

Se han hecho documentales locales sobre los nazis en Argentina. ¿Pero ficción? Al menos yo nunca había visto nada nacional al respecto. Y no es solo eso, sino lo bien que se ejecuta la idea: una familia de la Patagonia recibe la visita de un misterioso médico alemán que promete hacer crecer a la hija menor del matrimonio. ¿Quién es? Joseph Mengele, el que hizo experimentos genéticos para el Tercer Reich. ¿Qué hará en el sur argentino? Lo mismo.

Lucía Puenzo lleva el relato más allá del golpe bajo y lo convierte en un retrato siniestro. Es un terror que asusta desde lo conceptual, no por golpes de efecto. El paisaje es perfecto, por su aislamiento natural y su belleza, que termina volviéndose perturbadora. Esa es la palabra que quizás defina mejor a todo el film: perturbador. Como la fábrica de muñecas, metáfora de la producción en serie de humanos que no requiere ni explicación. 

Wakolda presenta una perfecta construcción de lo pertubardor, para ofrecer un cine argentino distinto. Bienvenido sea. 

ELENCO

• Diego Peretti (Enzo, el padre) cumple. Pero incluyo un comentario que me hicieron cuando vi la película y creo que es acertado: debería haber tenido el pelo distinto, porque no da con la época...
• Natalia Oreiro (Eva, la madre) está mejor de lo que se espera. Da con el rol y se baja de los tacos para un rol distinto. Well done!
• Àlex Brendemühl (Josef Mengele) asusta, enreda y encaja perfecto con el physic du rol
• Elena Roger (Nora Edloc) hace todo bien, porque no solo canta en teatro, muchachos. Lo que esta chica actua (acá, pero en las tablas también) no es cosa de todos los días. ¡Que filme más! Un papel pequeño pero es un gusto verla, siempre. 
• Florencia Bado (Lilith) es una verdadera revelación. Rodeada de tremendo elenco, esta niña debuta en cine poniéndose la película al hombro. Magnífica.

Duración: 93 minutos (aguanten las películas que no se zarpan en tiempo!)
País: Argentina
Año: 2014

Crítica de "Perdida", la nueva película de David Fincher con Ben Affleck

20th Century Fox

En su quinto aniversario de casado, la esposa de Nick desaparece. Conflicto claro, planteo ideal para thriller con policías, búsquedas, falsos culpables y demás. Pero, la dirije David Fincher. Eso ya la corre del montón de películas de esa temática y nos hace esperar más. Bien por él, porque cumple las expectativas.

El armado del relato no es clásico: tres tercios, pero que no responden de modo tradicional a la idea de comienzo, nudo y desenlace. Los hay, claro, pero con variantes muy interesantes. Lo distinto son los personajes. Cuando se plantea un film de suspenso, la doble cara de los personajes es en gran parte la responsable del chiste. ¡Ah, el malo en realidad era fulano!. Bueno, llevemos eso más al límite, mucho más al límite de lo esperado y ahí estará la riqueza de la trama. 

Personajes con dimensiones, corridos del maniqueísmo, destruyen la obviedad. La destruyen, en serio. Por eso "Perdida", a riesgo de ser una película más de suspenso, se convierte en un thriller que va mucho más allá del promedio. Sorprende hasta por cómo sorprende. La pregunta seguirá siendo ¿qué sucedió con Amy Elliot? La respuesta será larga, compleja e inimaginable. Y ocupará la mitad del film, no un par de escenas al final. 

"Perdida" es un film que vale la pena ver, con algunas escenas no aptas para impresionables (lo digo en serio, miren para otro lado...) y ligeramente larga. Se me hizo un poco extensa, pero no densa, porque entretiene a cada minuto, pero podría durar 20 minutos menos y evitar la sensación de que no se termina de resolver más.

Fincher, el mismo que dirigió "Se7en", "Zodíaco", "La habitación del pánico", "Red social", "El curioso caso de Benjamin Button", entre tantas, sabe manejar el suspenso, la intriga, para entregar una película de género y de calidad.

El final también se sale de la norma, burlándose, sin más, de la justicia poética. 

No sería descabellado arriesgar que tenga algun lugarcito en los Oscar de este año, aunque los thrillers no son el tipo de película que más le gusta a la Academia (aunque sí Fincher). Merecido estaría, porque el ingenio del relato lo amerita.

ELENCO

• Ben Affleck (Nick) con "Argo" nos hizo decir: hombre, para qué actuar, si dirigís mucho mejor. Bueno, nobleza obliga. Acá actúa muy bien. No digo que lo vayan a premiar, pero está más que bien.
• Rosamund Pike (Amy) es otro tema. Difícil hablar de ella sin hablar de la trama. Quizás la Academia la tenga en cuenta, pero en los Globos de Oro tiene que sacar nominación. Así de bien está. Y qué distinta a como aparecía en Orgullo y Prejuicio
• Neil Patrick Harris (Desi): no lo había visto en un rol dramático. Es un papel pequeño, pero súper correcto, bien señorial... nada que ver con su actuación en los Tony (ver el increíble video aquí, sí, es el que canta) lo que habla de una versatilidad asombrosa.... (¡vean el video!)

Título original: Gone Girl

Duración: 149 minutos (como decía, un poquito se sienten)
País: Estados Unidos
Año: 2014

Amélie: la poesía de lo cotidiano

UGC

Heme aquí escribiendo de mi película favorita. Así, sin preámbulos, lo digo: me gustan muchas películas, pero "Amélie"… me puede. Recuerdo que la primera vez que la vi no me generó gran cosa. Sabía que había tenido muchas nominaciones para el Óscar, lo que era extraño para un film no americano. Creo que la primera vez simplemente no la entendí. 

La segunda vez que la vi la recuerdo muy bien: fue para un trabajo de Sonido en la facultad. Salí a la calle fascinada, con la musiquita de Yann Tiersen en la atmósfera.

Para mí, "Amélie", o mejor aun con su nombre original “Le fabuleux destin d'Amélie Poulain” ("El fabuloso destino de Amélie Poulain") es perfecta. Perfecta, perfecta, perfecta. Y a continuación, señores, esto será una catarata de justificaciones. 

La historia es una comedia romántica pero no se nota. O sea, chica busca chico, encuentros, desencuentros y zas!... final feliz. Pero qué manera tan sutil de filtrar la historia romántica en un universo lleno de todo. ¡Y en París! ¡Y en francés! ¡Qué bien suena!

Lleno de todo, como los personajes y sus lados más humanos. No importa demasiado la edad de madre de Amélie, sabemos mucho más de ella por su gusto por los trajes de los patinadores o por su hábito de vaciar la cartera, limpiarla y volverla a llenar. Son las costumbres lo que definen a la gente. Así de simple, así de brillante. 

En ese mundo tan peculiar en el que vive Amélie, que es el tuyo y el mío pero con gente hablando francés, hasta los objetos tienen alma. Quizás el único que no tenga corazón allí sea el verdulero, pero sí hay espíritu vivo en el mantel danzarín, el enano de jardín, las nubes, las lámparas, las fotografías que hablan…

Lo que hace de "Amélie" una película distinta, tan única, es que la narración es guiada por una mirada que ve las cosas de otro modo. Amélie es una chica de una sensiblidad extrema, de una introspección desquiciante, pero que en esa circunstancia encuentra la verdad de las cosas. Cuando el único camino es hacia el interior de uno mismo, el universo muestra una veracidad más profunda. Ese mundo irreal de Amélie, es tan cierto como el de cada uno de nosotros. Y ella nos guía en ese viaje donde todo lo que lleva dentro intenta salir a la superficie. 

UGC

La historia de Amélie es la historia de un nacimiento, de un despertar a la vida, la otra vida, la del amor. Ese sentimiento que había quedado detenido en el tiempo cuando su padre le hacía el chequeo, esas palpitaciones que sentía ante un contacto humano cercano, deben volver a salir, ese corazón debe volver a acelerarse. Romper la cáscara, como dice Hermann Hesse en "Demian", para nacer. El dolor puede ser enorme, pero llega un momento en que es la única opción. Ese es el escollo que debe sortear Amélie, y podrá hacerlo, porque, como dice el vecino, sus huesos no son de cristal, pero quedarse en sí misma podrían volver su corazón seco y frágil.

Este mundo tan peculiar no puedo sino tener una imagen que lo acompañe del mismo modo. Por eso, la selección cromática es inconfundible. Fotogramas plagados de identidad visual. Verde, rojo y amarillo. Y más verde y más rojo... También la música crea un ambiente absolutamente poético. Recordar una banda sonora donde nadie canta es todo un logro. Apuesto que recuerdan la musiquita.

UGC

La subjetividad exacerbada de Amélie también está en la fuerte presencia de sentidos no tradicionales en el cine. Se generan texturas y sabores en una pantalla plana. La mano en la bolsa de legumbres, la niña comiendo moras de sus dedos, el viento en las caras de la pareja en la moto… 

"Amélie" es, en su composición, una obra complejísima, analizable en muchos niveles, desde lo emocional hasta lo técnico. La riqueza de personajes y situaciones, la lupa en eso que no vemos. La literalización de la metáfora, cuando ella se deshace; el absurdo de un pez suicidándose; la seriedad con que un enano de jardín recorre el mundo.

Es la poesía de lo cotidiano retratada por un punto de vista mágico, el del director Jean-Pierre Jeunet, el de Amelie. Un mundo real, traspasado por un filtro de Instagram, unos acordes inolvidables, personalidades finamente delineadas y eventos sutilmente insólitos. 

"Amélie" es arte. Cine, de ese que inunda los sentidos y nos conquista para siempre. 

ELENCO

• Audrey Tautou (Amélie Poulain) fue, es y será Amélie por siempre. No importa cuantos films más haga, siempre será la pequeña francesa de personalidad única. No hay mucho que decir, ella es la película. 
• Mathieu Kassovitz (Nino) se pone en la otra vereda como un chico "normal", que puede ver la poesía de la vida entre las paredes de un Sex shop. Divino, inolvidable. ¡Nino te queremos!
• Jamel Debbouze (Lucien) es nuestro ayudante de verdulero favorito. Actor muy popular en Francia. Lo de su brazo no fue para la película, es verdad. Un personaje absolutamente encantador
• Dominique Pinon (Joseph) es el actor fetiche del director. Acá es detestable, pero si vieron Delicatessen podemos comprobar que su registro actoral es bien amplio. 
• Serge Merlin (Dufayel - el vecino pintor) es encantador, de una composición física tan acorde. El viejo sabio, el mentor. 

UGC

Las mil historias de Amélie. Una pequeña enumeración, porque creo que vale la pena recordarlas. Disculpen si olvidé alguna.

• La caja que encuentra Amélie oculta en un zócalo y cómo da con su dueño, convirtiéndose en heroína del bien
• La venganza contra el verdulero sin corazón
• La vecina solitaria a la que Amélie le envía falsas cartas de su hombre amado
• El misterio de las fotos rotas
• El ciego al que Amélie hace "ver"
• El enano de jardín que viaja por el mundo
• Georgette, la cajera hipocondríaca y su ex que la graba y persigue
• Hipólito, el poeta finalmente redimido en un grafitti

Título original: Le fabuleux destin d'Amélie Poulain

Duración: 122 minutos
País: Francia
Año: 2001

"El Gran Gatsby" de Baz Luhrmann

Village Roadshow Pictures

Lo primero que tenía en la cabeza al momento de ver "El Gran Gatsby" era que se trataba de una película de Baz Luhrmann. Y el dato no es menor. ¿Recuerdan Moulin Rouge? Bueno, yo la tengo grabada en la retina desde que era adolescente y fui con cuatro amigas a verla al cine. Salí extasiada. Nunca había visto tanto despliegue de color, música, decorados, luces, brillo, movimientos de cámara, ciudades nocturnas resplandecientes. Y así como Tim Burton propone películas oscuras, Luhrmann se cruza a la vereda opuesta y repite sus propios recursos en Gatsby. El comienzo, incluso, parece calcado de Moulin Rouge. El relato, de una forma extraña, también tiene puntos en común: un joven escribe la peculiar historia que vivió, que lo marcó y que lo convirtió en quien es; la llegada al nuevo hogar, cuna de lo desconocido; el circo a la vuelta de la esquina.

Pero este joven no es el protagonista ¿o si? No, porque él es los ojos del espectador, nada más. La estrella es Gatsby, el gran Leo. Esperé a verlo desde el minuto cero. Porque hay actores que tienen esa capacidad: hipnotizan. Di Caprio se convirtió en uno de los mejores y más versátiles actores de su generación. Es de una naturalidad soberbia. 

Y después de él, viene todo lo demás. A veces se disfruta ver un film pequeño, pero cuando hay un despliegue bien hecho, dichosos son los ojos que lo ven. La dirección de arte, con vestuario, maquillaje, peinados y escenarios es exquisita. Bien ganado el Oscar de Catherine Martin (esposa de Luhrmann) por Diseño de Vestuario y de Producción. 

La posmodernidad y el pastiche son la especialidad del director, cuando hace sonar "Crazy in love" de Beyonce en una fiesta de los años 20. Igual que sonaba Nirvana en el Paris de inicios de siglo XX en Moulin Rouge. 

Lurhmann repite patrones. Lejos de ser falta de originalidad, es sello autoral. Es estilo, grandilocuente, desquisiado de color, de ese que no suele asociarse con la idea nouvellevaguista de "autor". Pero lo es, y que bien le sale. 

ELENCO

• Tobey Maguire (Nick Carraway) no es un actor al que siga. Pero vale decir que su cara de niño bueno encaja perfecta con el rol.
• Leonardo Di Caprio (Gatsby) es único. Creo que el tema de que no le den un Óscar hasta lo hace más grande, dan ganas de reivindicarlo. Atrapa, el tipo aparece en la pantalla y se apodera de uno, es así.
• Carey Mulligan (Daisy) va ascendiendo con pequeños grandes papeles, desde Orgullo y Prejuicio hasta Drive. Divina en el rol, angelical, maravillosa.

Duración: 142 minutos
País: Estados Unidos / Australia
Año: 2013

Relatos salvajes (y porque Damian Szifrón es un genio)

K&S Films

Damián Szifrón es un genio. Lo digo muy en serio. "Los simuladores" es, junto a "Tiempo final" de los hermanos Borenstein, el mejor programa de televisión que vi en mi vida. Eso fue hace mucho y Szifron hoy tiene 39 años. ¡¿Cómo demonios solo 39?! ¿Cuántos años tenía cuando se emitió aquel gran programa por Telefé? 27. Asombroso.
Las historias de Szifrón son, en mi humilde y bloggera opinión, el resultado de la cabeza y la observación de un superdotado. 

Es director, sí, pero más que eso, es guionista. Es un escritor afilado, inteligente, con la capacidad de poner una lupa en lo cotidiano y darle un toque mágico y realista a la vez. En "Relatos salvajes", pero también en sus realizaciones anteriores, hay líneas de diálogo que son exquisitas, pero no por hacer uso de un vuelo poético pretencioso, sino por el ingenio y el humor negro (negrísimo). Por eso Szifrón, para mí, es primero creador y guionista, después director y montajista y todas esas tareas que hace también con lucidez.

¿Escribí demasiado solo de Szifrón? Es que creo que con solo 39 años ya podemos hablar de su obra. No es un director que hizo un par de películas. No, es mucho más. Es alguien que tiene un estilo marcadísimo, una temática (la búsqueda de justicia) que articula de una u otra forma todos sus relatos y una calidad que lo eleva a lo mejor del cine (argentino y extranjero).

El motivo del post es dar una impresión de "Relatos salvajes", vamos a eso. Después de todo lo anterior, queda claro que me pareció una maravilla. Pero creo que en este film resalta la madurez de Szifrón: no solo cuenta varias historias a la perfección, también es sumamente audaz, y eso no lo había sentido en sus otras obras. Audaz por los planteos, pero sobre todo, audaz por los finales. Me refiero en especial a la historia de la ruta con Sbaraglia y la del accidente de auto con Oscár Martínez. Hay que tener coraje para darles ese final. Hay que animarse a dar un desenlace que no satisfaga la justicia poética que siempre esperamos.

Además, la ira. Porque hemos visto decenas de películas de vengadores (el valiente, muchas veces ligado al FBI, que busca al asesino de su hija/hermana/amigo/padres, etc) que encuentran al culpable de sus desgracias, lo matan o va preso y ya. Los fulanos ni se despeinan. Acá si, y lo que desata la ira puede ser una multa, un insulto, una traición. Es la ira y la venganza. Es, quizás, la justicia por mano propia, pero no con la connotación habitual. A veces es la rebelión contra alguien, pero detrás está la rebelión contra el sistema: la bronca contra la corrupción, la ira latente en esa lucha de clases en la ruta, la impotencia ante la burocracia, la manipulación del poder con dinero, y finalmente el engaño y la hipocresía del "deber ser". 

Mientras escribo esto intento pensar cuál fue el episodio que más me gustó, pero me cuesta. Me quedé con cosas de todos. Voy a caer en la tentación de recordar eso que me quedó de cada uno (pero sin contar finales, por si acaso alguien no la vio):

        

- Pasternak: excelente comienzo para decir de qué va a ir la película. Magnífica "intriga de predestinación" para quienes hayan leido de estructuras narrativas. Y los títulos con animales están para volverlos a ver y hacer un precioso análisis.

- Las ratas: Rita Cortese es una genialidad de actriz. Relato discreto y muy efectivo.

- El más fuerte: acá la audacia empieza a tomar forma y convierte un insulto en un devenir de hechos inimaginado. Lo imprevisto y la imagen final de esas dos caritas... No lo podés creer, así de simple.

- Bombita: en cierto punto, el más cotidiano. Cuando surge lo de "Bombita" sobreimpreso, me fascinó. La mega explosión inicial está genial. Y la musiquita de "La salud de nuestros hijos" es algo glorioso y acertadísimo para hablar de cuando nos vacunan (de grandes, a diario y sin caramelo a cambio).  

- La propuesta: es el más serio, me pareció el más dramático, el más diferente. ¿Saben que? Si se piensa todo lo que pasa, probablemente de principio a fin sea el más ligado a lo real. Se diferencia en que la ira y la venganza no está en manos de los protagonistas, si no de otro... el que acciona al final y zas! el director nos manda el corte brusco y nos deja con una sensación de injusticia impensada.

- Hasta que la muerte nos separe: es el más largo o al menos esa sensación da. Todo eso de las bodas perfectas... todos esos clichés y que bella manera de destruirlos. La frase del Ital Park en pleno revoleo... inolvidable.

Inteligencia y audacia. ¿Algo más? Si. El tercer elemento que creo que completa la perfección de esta película es la realidad. El tacto para plantear una situación absolutamente cotidiana y llevarla al extremo de lo tolerable. 

"Relatos salvajes" captura con maestría el latir de una época. Pone el termómetro para calcular la fiebre social y en vez de dar antibióticos, la hace estallar. El colapso llega a ese punto de inflexión del que no se vuelve.

No me extiendo más. Gran película, de esas que en unos años los profesores de análisis del cine van a dar en las facultades. Szifrón, con cada paso, se convierte en uno de los mejores directores y guionistas de la historia del cine argentino. Queremos más Szifrón, sin dudas. 

ELENCO: (están todos de maravilla, solo agrego algunos detalles y me salteo algunos nombres, sepan disculpar)

• Dario Grandinetti (Salgado) parece el tipo al que los simuladores van a hacer caer en la trampa
• María Marull (Isabel) nos hace creer que su personaje es buenito... ja! 
• Rita Cortese (cocinera) es de otro planeta. Una templanza, una sangre fría... formidable. Una actuación perfecta.
• Julieta Zylberberg (moza) no la tenía más que de nombre (nobleza obliga), pero está muy bien. 
• Leonardo Sbaraglia (Diego) es tan porteño... lo queremos.
• Walter Donado (el otro conductor), escuché que no es actor, sino domador de leones. Pensá dos veces a quién insultas...
• Ricardo Darín (Simón Fisher) ¿hay algo que pueda decir sobre él? ¿de verás? No, es Darín... el hombre tiene dos dones fundamentales: actuar y elegir las películas correctas.
• Oscar Martínez (Mauricio) y sigue la lista de grandes actores. Tan natural...
• Diego Gentile (Ariel) me encantó. Lo había visto en la obra de teatro Toc Toc y no me había maravillado, pero acá sí. Y, tengo que decirlo, ¿no luce muy parecido a Bradley Cooper?
• Erica Rivas (Romina). Con ella dejo de escribir, ustedes dejan de leer y juntos nos unimos en un abrazo y ovación virtual. Bravo!

Duración: 122 minutos (pasan volando!)
País: Argentina
Año: 2014